Zukunft des Independent-Films: Was die nächste Generation wissen muss

Was bedeutet die Produktion von Independent-Filmen heute? Es geht darum, Geschichten zu erzählen, die keinen Aufschub dulden. Die nicht darauf warten können, dass grosse Budgets oder grosse Produktionsfirmen einem Projekt grünes Licht geben. Es ist die Avantgarde des Kinos, die eine Idee mit Leidenschaft in einen Film umwandelt.

Typischerweise mit kleineren Budgets, winzigen Teams, erschwinglicher Kameraausrüstung und grösserer kreativer Freiheit. Keine Einmischung durch die traditionelle Filmindustrie, die diktiert, was kommerziell umsetzbar ist, und kein Marketing-Rollout-Plan für einen perfekt verpackten Blockbuster.

Jahr für Jahr treten Independent-Filmemacher beim Raindance Film Festival ins Rampenlicht und präsentieren dem Publikum, das Lust auf Neues hat, ihr Debüt oder ihren zweiten Film. Kurzfilme, Spielfilme, Komödien, Horrorfilme, Horrorkomödien – alles hineingestopft in 10 Tage voller cineastischem Glanz.

In der Ära der KI-generierten Inhalte, sozialen Medien und wirtschaftlichen Veränderungen hat sich der Diskurs rund um das Filmemachen zwar verschoben, doch das Verlangen danach ist ungebrochen. „Den Grossen gehen die Ideen aus, und in der Independent-Szene suchen sie nach seltenen Perlen“, sagt Elliot Grove, Gründer von Raindance und BIFA, der zusammen mit seiner Partnerin Suzanne Ballantyne für seine Verdienste um die Künste die Ehrenmedaille des British Citizen Award erhalten hat.

Tristan Loraine war 20 Jahre lang Pilot bei einer Fluggesellschaft, bevor ihn gesundheitliche Probleme infolge der Belastung durch giftige Kabinenluft zur Aufgabe zwangen. Ohne jegliche filmische Vorerfahrung, aber mit einer Story, die er unbedingt erzählen wollte, wandte er sich an Elliot und fragte ihn, wie man einen Film dreht. Sein Debüt-Dokumentarfilm, „Welcome Aboard Toxic Airlines“ (2007), löste Forderungen nach einer öffentlichen Untersuchung der Luftqualität in der Flugzeugkabine aus.

Haris Zambarloukos, von der Kritik gefeierter Kameramann, beteiligt an Filmen wie „Beetlejuice, Beetlejuice“ (2024), „Locke“ (2013) und zahlreichen anderen, sagt: „Es gibt heute mehr Werkzeuge, um einen Film zu drehen, als wir in meinen Anfangsjahren hatten. Ich glaube aber auch, dass die Film-Community grösser als damals ist.“ Zwar hilft die ideale Filmausrüstung von Canon Kameraleuten dabei, ein neues Qualitätsniveau zu erreichen, doch laut Ben Morse, Content and Creative Manager bei Canon Europe, „gibt es Filmemacher, die mit jeder Kamera, die wir jemals auf den Markt gebracht haben, Filme gedreht haben. Auf das Werkzeug kommt es gar nicht so sehr an, sondern darauf, wie man die Story erzählt.“

In Tristans jüngstem Kurzfilm, A Girl Called Alice (2026), wollte er mit einer leichten, mobilen Ausrüstung kinotaugliche Aufnahmen von bewegten Massenszenen in London erzeugen. Ganz ohne Dolly, ohne Genehmigungen für Strassensperrungen, nur ein kleines, engagiertes Team. Die Lösung? Eine Canon EOS C80 auf einem DJI Gimbal. Sein Fazit? Mit seinen Worten: „Es war ein absoluter Volltreffer.“

Die Diskussion um künstliche Intelligenz im Independent-Film ist eher von Zurückhaltung als von strikter Ablehnung geprägt. Für viele Indie-Filmemacher ist es eine Frage der persönlichen Vorliebe, ob KI einen Platz im Produktionsprozess einnimmt. Das Wichtigste ist dabei, wie sie eingesetzt wird. Mit KI-Bearbeitungstools lässt sich eine Menge Zeit einsparen, doch diese Bequemlichkeit kann ihren Preis haben, man setzt damit den originellen Ton aufs Spiel, in dem die Story ursprünglich erzählt wurde.

2026 traf Tristan bei den Filmfestspielen von Cannes die Gründer von „Human Made“, einer Initiative, die Filme im KI-Zeitalter als vollständig von Menschen geschaffen zertifiziert, und wenige Wochen später war sein Kurzfilm „A Girl Called Alice“ als allererster Film mit dem „Human Made“-Logo auf der Leinwand zu sehen. Tristan gesteht, dass er KI täglich im Büro nutzt und ihren Wert für die Recherche sieht, doch bei der Frage, wer die Filme tatsächlich produziert, die die Menschen sehen, bezieht er klar Stellung: „Menschen sehen sie sich an, und ich möchte, dass Menschen sie machen.“

Haris Zambarloukos glaubt, dass Filmteams aufeinander abgestimmt sein müssen: „Der grösste Verlust an Zeit, Geld oder Energie entsteht durch Missverständnisse.“ Durch die Einbeziehung des Produzenten in die kreative Planung lassen sich viele der Budget- und Logistikprobleme vermeiden, die ansonsten später zutage treten. Und das gilt nicht nur für die Rolle des Produzenten. Mittlerweile gibt es eine engere Zusammenarbeit zwischen allen Abteilungen, was zu einer stärker gemeinschaftlich geprägten Produktion führt. „Wenn eine Kostümdesignerin Recherchen durchführt, möchte ich diese sehen“, sagt er – eine Gewohnheit, die ihm hilft, einen Film mit einer einheitlichen visuellen Identität zu gestalten, bei der alle Elemente ineinandergreifen. Die neue Ära des Filmemachens ist stärker von Kooperation geprägt. Es ist nicht mehr so, dass jeder einzelne in seinem Elfenbeinturm vor sich hin werkelt, sondern man sucht vielmehr gemeinsam nach Fallstricken und Chancen, lange bevor die Kameras zu laufen beginnen.

„Meiner Ansicht nach besteht die Herausforderung nicht darin, einen Film zu drehen, sondern ihn unter die Leute zu bringen“, erklärt Haris. Die Produktion war noch nie so zugänglich wie heute, aber der Vertrieb ist fragmentiert, und das Publikum hat mittlerweile mehr Möglichkeiten, Filme anzuschauen.

YouTube und Netflix sind etablierte Alternativen zu Kino und klassischem Fernsehen, was nicht zuletzt an der deutlich verbesserten Bildqualität der Bildschirme liegt. Egal ob auf Laptops, Tablets oder sogar Smartphones, Filme kann man sich auf dem Weg zur Arbeit in High Dynamic Range ansehen.

Was sich ändern muss, glaubt Haris, ist die etwas snobistische Auffassung darüber, wie Filme anzuschauen sind, mit Kino an der Spitze dieser imaginären Hierarchie und dem Smartphone-Display ganz weit unten. Worauf es wirklich ankommt, ist nicht, wie oder wo ein Film sein Publikum findet, sondern auf die Botschaft, die er vermittelt.

Filmfestivals bieten nicht nur Filmemachern die Möglichkeit, ihre Werke z u präsentieren, sondern richten den Blick auch auf die Branche als Ganzes: darauf, was funktioniert und welche neuen Stimmen sich durchsetzen. Raindance, das grösste Independent-Filmfestival des Vereinigten Königreichs, ist für Filmemacher häufig ein Sprungbrett und ermutigt sie, weiterzumachen und an ihren handwerklichen Fähigkeiten zu feilen. „Independent-Film ist wie das ultimative Labor des Kinos. Dort experimentieren Menschen mit neuen Ideen, scheitern schmerzlich und feiern grosse Erfolge“, sagt Elliot.

Die Premiere eines Films auf einem Festival wie Raindance kann dem Werk eine Glaubwürdigkeit verleihen, wie sie anderswo nicht zu erreichen ist. Mit den Worten von Tristan: „Es hilft, den Film unter die Leute zu bringen. Andere Festivals schauen darauf, wo ein Film Premiere hatte, und wenn es Raindance ist, schenkt man ihm Beachtung.“ Am Anfang einer Karriere als Filmemacher, ohne Kontakte in der Branche, macht sich das positiv bemerkbar. Ausserdem sind es Orte, an denen man sich vernetzen und Gleichgesinnte, Investoren oder sogar Firmen finden kann, die einem Ausrüstung leihen oder das Projekt anderweitig unterstützen.

Manche moderne Filmemacher bauen sich zuerst ein Publikum auf und drehen dann erst Filme. Elliot Grove ist aufgefallen, dass erfolgreiche Filmschaffende oft mehrere Dinge gleichzeitig tun: unterrichten, schreiben und Wege finden, ihre berufliche Tätigkeit über den Film hinaus voranzubringen. Auch hier spielen soziale Medien eine Rolle – sei es, dass man auf Instagram seine kreativen Techniken erklärt, seine visuelle Sprache präsentiert oder einen Substack für Drehbuchautoren startet, die teilen möchten, woran sie gerade arbeiten. Persönliches Branding, der Aufbau einer Community und Unternehmergeist werden für unabhängige Filmemacher immer wichtiger. Wie Elliot es zusammenfasst: „Das Geheimnis besteht darin, dass du, wenn du ein erfolgreicher Geschichtenerzähler werden willst, ein visueller Geschichtenerzähler sein musst.“

Filmemachen, egal ob unabhängig oder nicht, findet heutzutage auf mehreren Plattformen statt. Er ist stärker von Kooperation geprägt und geht mit geringeren Einstiegshürden einher. Die Produktion von Independent-Filmen erfreut sich bester Gesundheit. Oder mit den Worten von Ben Morse: „Unabhängige Filme sind wie Punkmusik. Es wird immer etwas geben, das sich dem Mainstream widersetzt.“ Wie sonst könnten ungefilterte Stimmen, die verzweifelt gehört werden wollen, um die Welt zu verändern, jemals ein breiteres Publikum erreichen? Tristan Loraine erlebte es aus erster Hand: „Im Kino zu sitzen, ist die wirkungsvollste Art, um Menschen davon zu überzeugen, etwas zu tun.“