Mit Wildlife-Fotografie fesselnde Geschichte erzählen

Wir verbinden Wildlife-Fotografie meist mit Geduld, technischer Präzision und der Fähigkeit, seltene Begegnungen festzuhalten. Wie schon vor 30 Jahren, als ich mit der Naturfotografie angefangen habe, gilt auch heute noch ein gestochen scharfes, richtig belichtetes und gut komponiertes Foto eines Tieres allgemein als gelungene Aufnahme.

Das Sprichwort besagt „Ein Bild sagt mehr als tausend Worte“ – ein gut gelungenes Foto kann eine eindringliche Botschaft vermitteln, die sprachliche, geografische und kulturelle Grenzen überwindet. Zudem speichert das menschliche Gehirn eher einzelne Bilder als Abfolgen. Selbst bei Filmen neigen wir dazu, uns eher an einzelne Bilder als an die gesamte Abfolge zu erinnern. Deshalb können Fotografien, wenn sie ihre erzählerischen Möglichkeiten voll ausschöpfen, eine tiefere und nachhaltigere Wirkung als Videos erzielen.

Der Wandel von der Dokumentation hin zum Storytelling spielt eine zentrale Rolle in der Arbeit vieler Wildlife-Fotografen, die bei renommierten Wettbewerben wie dem World Press Photo oder dem Wildlife Photographer of the Year ausgezeichnet wurden oder mit grossen Publikationen wie National Geographic, GEO oder BBC Wildlife zusammenarbeiten.

In diesen Zusammenhängen dienen Bilder selten nur der Veranschaulichung. Stattdessen werden Fotografien als visuelle Erzählungen gestaltet, die die Story begleiten und oft sogar vorantreiben. Mehrere wegweisende Projekte zeigen, wie ein einziges Bild komplexe, vielschichtige Realitäten andeuten, Umweltprobleme aufzeigen und dabei oft die „dunkle Seite“ eines naturkundlichen Themas offenlegen kann. Mir fallen Namen wie Michael „Nick“ Nichols, Frans Lanting, Joel Sartore, Tim Laman oder, in jüngerer Zeit, Paul Nicklen, Thomas Peschack und Laurent Ballesta als herausragende Vorbilder für dieses spezielle Genre der Naturfotografie ein.

Eine der wirkungsvollsten Methoden, unseren Wildlife-Fotografien eine erzählerische Note zu verleihen, besteht darin, die Umgebung in die Bildkomposition einzubeziehen. Hier werden technische Entscheidungen zu erzählerischen Mitteln: Der Einsatz eines Weitwinkelobjektivs beispielsweise ermöglicht es Fotografen, das Motiv in seinem Lebensraum zu zeigen und so eher die Grössenverhältnisse und Zusammenhänge als die Isolation hervorzuheben. Auch bei der Arbeit mit einem starken Teleobjektiv lässt sich durch das Einräumen von viel Freiraum um das Motiv herum und eine sorgfältige Bildkomposition ein ausdrucksstarkes Foto erzielen, das sowohl dem Motiv als auch seiner Umgebung gerecht wird. Um ein Beispiel zu nennen: Wenn ich eine Nahaufnahme eines Fuchses mache, verleihe ich ihm einen individuellen Charakter. Wenn ich ihn in seinem Lebensraum in Szene setze, erzähle ich seine Naturgeschichte.

Ebenso entscheidend ist die Perspektive: Aufnahmen auf Augenhöhe schaffen ein Gefühl der Verbundenheit und Vertrautheit zwischen Motiv und Betrachter, während niedrigere oder höhere Blickwinkel die Wahrnehmung drastisch verändern und ein Tier entweder verletzlich oder dominant wirken lassen können. Diese Entscheidungen sind nicht nur ästhetischer Natur. Sie prägen auch die emotionale Wahrnehmung des Bildes. Deshalb entscheide ich mich oft bewusst dafür, meine Motive aus meiner eigenen Körperhöhe zu fotografieren, um die Perspektive eines Menschen nachzuahmen, der die Welt erkundet. Und ich habe das Gefühl, dass sich die Menschen dadurch stärker mit dem Thema verbunden fühlen.

Dadurch, dass er sich einer Szene aus verschiedenen Blickwinkeln nähert (ähnlich wie bei einem filmischen Dolly, der den Raum erkundet), kann der Fotograf eine visuelle Abfolge schaffen. Durch die Veränderung von Perspektive, Entfernung und Bildausschnitt lässt sich eine Bilderserie schaffen, die zusammen eine umfassendere Erzählung ergibt, anstatt sich auf eine einzige entscheidende Aufnahme zu verlassen. Es ist die berühmte „visuelle Vielfalt“, die oft dazu beiträgt, dass eine Bilderserie veröffentlicht statt abgelehnt wird.

Licht, ob natürlich oder künstlich, verstärkt das Storytelling zusätzlich. Der subtile Einsatz vom Blitz kann beispielsweise ein Motiv vor einem dunkleren Hintergrund hervorheben und ihm so zentrale Bedeutung verleihen. Dasselbe gilt für dramatisches natürliches Licht. Ebenso wichtig ist es, den Moment selbst einzufangen: Verhaltensaufnahmen (wie zum Beispiel von der Jagd, der Fürsorge oder sozialen Interaktionen) verleihen einem Naturbild automatisch eine erzählerische Ebene. Sie regen Fragen und Gedanken an und lassen das Bild über den einzelnen Augenblick hinaus nachwirken.

All diese Elemente spielen im Bereich der sogenannten „Naturschutzfotografie“ eine entscheidende Rolle, wo es nicht nur darum geht, zu informieren, sondern auch zum Handeln anzuregen. Im Kontext des Anthropozäns bin ich der Ansicht, dass Bilder eine immer grössere Verantwortung tragen. Ein technisch perfektes Foto einer vom Aussterben bedrohten Tierart mag zwar informieren, doch ein erzählerisches Bild hat die Kraft, Menschen zu fesseln, Empathie zu wecken und letztlich die öffentliche Wahrnehmung zu beeinflussen.

Wildlife-Fotografie, die eine Story erzählt, trägt zu einer breiteren gesellschaftlichen Debatte über den Umweltschutz bei. Durch die Darstellung von Tieren als Teil empfindlicher Ökosysteme und der Folgen menschlichen Handelns können Fotografen so die Kluft zwischen weit entfernten Themen und dem persönlichen Bewusstsein überwinden.

In diesem Sinne beobachtet der Fotograf nicht nur, sondern tritt als Zeuge auf. Das berühmte Zitat „Blende 8 und einfach da sein“, das Robert Capa zugeschrieben wird, bringt diesen Gedanken perfekt auf den Punkt. Durch seine physische und emotionale Präsenz kann der Fotograf Momente vorhersehen, ganz in die Szene eintauchen und letztendlich Bilder schaffen, die durch Authentizität und Unmittelbarkeit bestechen.

Die Wirkung des Storytelling geht über das Bild selbst hinaus und erstreckt sich auf dessen Auswirkungen. Ein einheitlicher erzählerischer Ansatz kann das Portfolio eines Fotografen erheblich stärken und es von einer Sammlung einzelner Aufnahmen in ein Gesamtwerk mit eigener Identität und Kohärenz verwandeln. Daher lohnt es sich, auch bei Fotos ein Storyboard im Hinterkopf zu haben und sich an die fünf W-Fragen (wer, was, wann, wo, warum) des Journalismus zu halten: Durch genügend unterschiedliche Fotos, um all diese Fragen zu beantworten, kann man die Vollständigkeit einer Story gewährleisten.

Dies erhöht die Chancen auf eine Veröffentlichung. Zeitschriften und Plattformen suchen nicht nur nach eindrucksvollen Bildern, sondern nach Geschichten, die visuell vermittelt werden können. Ausserdem legen viele Fotowettbewerbe neben technischer Exzellenz zunehmend Wert auf erzählerische Tiefe. Dasselbe gilt auch für erfolgreiche Fotobücher, Ausstellungen oder sogar Präsentationen. Aber selbst wenn die Veröffentlichung unserer Bilder nicht unser Ziel ist, kann die Beachtung dieser erzählerischen Grundsätze dazu beitragen, dass wir bessere Fotografen werden. Selbst in den sozialen Medien, wo die Aufmerksamkeit der Nutzenden flüchtig ist und ständig Wettbewerb herrscht, wecken Bilder, die eine Geschichte erzählen, eher das Interesse und regen zur Interaktion an. Eine fesselnde Geschichte lädt Nutzende dazu ein, innezuhalten, nachzudenken und eine Verbindung herzustellen, wodurch aus passivem Scrollen eine Interaktion wird.

Letztendlich geht es beim Storytelling in der Fotografie um die Absicht. Dazu ist es notwendig, über die blosse Erfassung des Sichtbaren hinauszugehen und stattdessen auch Emotionen und Botschaften zu berücksichtigen. Es stellt sich nicht bloss die Frage „Was sehe ich?“, sondern auch: „Was möchte ich damit vermitteln?“. So lässt sich das Bild in ein Werkzeug verwandeln, das einen bleibenden Eindruck hinterlassen und möglicherweise zum Schutz der Natur beitragen sowie unsere Beziehung zu ihr prägen kann.